Fotos: Alberto Avendaño
Texto: Ixchel Casas
Pinchi Necro
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Francisco Javier de la Torre Cordero, “Pinchi Necro”, inicia su carrera artística en 2016 con ilustraciones y portada para el libro Juntos diablo carne y mundo, de Juan José Macías y Arturo Burciaga; a partir de entonces se ha presentado en numerosas convenciones, exposiciones colectivas y conferencias. Miembro Fundador del grupo artístico “Misa Negra”, donde se exploran los conceptos del individuo, la intimidad, la culpa y la voluntad mediante prácticas visuales de temática bondage, blasfemia y fetiche.
¿Qué formación tienes y cómo se vincula con el arte o con tu faceta de artista?
Tengo actualmente el grado de maestría en Dirección de Arte Digital, una forma bonita de decirle al marketing, pero prácticamente estudié tal rama para reforzar mis habilidades y difusión en redes. De ahí en más, todo es camino enfocado a la ilustración.
¿Cuáles fueron los motivos que te llevaron a querer expresarte de manera artística y a compartir tu trabajo?
Desde muy joven fui partícipe en talleres artesanales de distintas ramas, pero en plena Licenciatura de Artes, y tras varios conflictos de ansiedad ante la inminente desesperación por un “futuro”, canalicé todos mis esfuerzos para encontrar y desarrollar un lenguaje visual, es más fácil cuando ya tienes parámetros vistos.
¿Dónde te sitúas a ti y a tu trabajo en el campo cultural social?
Me siento reconocido porque básicamente es lo que me han dicho una y otra vez, aunque para ser sincero no siento ser sólo uno más dentro de la rama, sino alguien que ha marcado rumbo en la apreciación a la ilustración y el dibujo en un campo lleno de grabadores y pintores.
¿Cómo ha influido tu quehacer artístico en tu campo personal?
En primer lugar, no soy artista, soy ilustrador, pero en el quehacer cultural la presencia de mi marca, Pinchi Necro, ha sido reconocida como un respiro a lo que ya estaba saturado en la escena creativa de este estado… por suerte tengo a mi señora esposa, quien me pone los pies sobre la tierra.
¿Cuál es la idea o el discurso principal en tu trabajo?
La intimidad, el identificarse uno mismo en los gestos, los tabúes, los fetiches, los gustos y las prácticas sin sentirse agredido… es decir, puedes verte a un espejo y no sentir que eres tú, pero puedes verte a través de una representación, un personaje, una identidad, eso es lo que busco.
¿Hay alguna pieza icónica de tu trabajo? Cuéntanos sobre su proceso.
2016, cursando los últimos años de la licenciatura de artes, necesitaba desarrollar una identidad ya que había encontrado y definido los materiales con los que quería trabajar (como cuando a un personaje RPG le pones el rol de nigromante, bárbaro, druida, etc.), fue entonces cuando le pedí, a quien fue en años de secundaria mi mejor amiga, Gis, con quien me sentía muy identificado como si ella fuese yo en mujer, modelase para un dibujo que posteriormente se hizo headliner de mi marca, y presentación en mis tarjetas de presentación.
Francisco Rueda
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Francisco es egresado de la carrera de Ingeniería en Sistemas Computacionales por parte del Instituto Tecnológico de Zacatecas. En el año de 2017 comienza la creación de fotografía de retrato en la ciudad de Zacatecas, así como en su comunidad. En 2018 decide comenzar a crear fotografías de desnudo artístico en blanco y negro para presentación en exposiciones de la ciudad.
¿Qué formación tienes y cómo se vincula con el arte o con tu faceta de artista?
Soy ingeniero en Sistemas Computacionales, pero siempre me llamó la atención el séptimo arte y la fotografía. Así que apenas estoy comenzando esta faceta.
¿Cuáles fueron los motivos que te llevaron a querer expresarte de manera artística y a compartir tu trabajo?
Sólo hacía fotografía para mí porque me gustaba, pero luego me di cuenta que la fotografía de conciertos me llamaba la atención. De ahí partí al retrato y luego al desnudo artístico. Pensé en probar el desnudo, ya que había fotógrafos que me inspiraban y quería hacer lo mismo. Ahora es algo muy diferente a ellos, y aun así sigo buscando mi estilo.
¿Dónde te sitúas a ti y a tu trabajo en el campo cultural social?
Creo que por ser muy nuevo en este ámbito aún lo estoy descubriendo. Trato de participar en lo que puedo y conociendo gente aún para poder aprender cosas de cada uno.
¿Cómo ha influido tu quehacer artístico en tu campo personal?
Me ha mantenido cuerdo, feliz y ocupado. Siempre estoy pensando qué hacer y en mi lado hiperactivo me ayuda mucho seguir haciendo cosas.
¿Cuál es la idea o el discurso principal en tu trabajo?
Que el desnudo puede ser y presentarse en infinidad de formas, siendo una idea muy rebuscada o algo experimental, el desnudo siempre está presente en nosotros.
¿Hay alguna pieza icónica de tu trabajo? Cuéntanos sobre su proceso.
La pieza que pueden encontrar anclada en mi Instagram. En medio del feed, “Retoño de un antiguo remordimiento”. Esta pieza fue creada para una exposición colectiva de la que no formaba parte originalmente. La hice porque el organizador me conoció el día de la inauguración y me pidió que llevara algo. La hice en dos días con la ayuda de una amiga. Fue improvisación completamente. Pero el resultado final da a entender lo que mis fotografías quieren representar en un futuro.
Miguel Tovar
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Miguel Tovar es un ilustrador zacatecano de 35 años. Comenzó estudiando fotografía y posteriormente se adentró en la búsqueda de un lenguaje o expresión artística, encontrando la ilustración editorial como nueva meta a realizar.
¿Qué formación tienes y cómo se vincula con el arte o con tu faceta de artista?
Estudié fotografía en difusión cultural en Zacatecas, en ese trayecto sólo tomaba fotos en blanco y negro. Así que aportó demasiado a la técnica que utilizo para ilustrar, que es tinta china sobre papel.
¿Cuáles fueron los motivos que te llevaron a querer expresarte de manera artística y a compartir tu trabajo?
Fue sólo el hecho de querer compartir con los demás la obra e imaginario.
¿Dónde te sitúas a ti y a tu trabajo en el campo cultural social?
Me interesa la ilustración editorial, por lo cual lo relaciono mi obra con la literatura de terror y fantasía. Así que podría aportar a nuevas creaciones literarias y visuales. Podría decirse que me sitúo dentro de un espacio cultural literario.
¿Cómo ha influido tu quehacer artístico en tu campo personal?
Ha influido de forma creativa y paciente con la organización de tiempos.
¿Cuál es la idea o el discurso principal en tu trabajo?
La idea principal es poder llegar a hacer mis propios libros ilustrados en la rama del terror, fantasía, etc.
¿Hay alguna pieza icónica de tu trabajo? Cuéntanos sobre su proceso.
Esta ilustración fue de los primeros encargos que tuve para un cuento ilustrado, en el proceso utilicé varios materiales para dar distintas texturas, tinta china, grafito y carboncillo. El texto era muy bonito, cada palabra la tomé de referencia para poder hacer que todo el cuento se reflejara en una sola imagen.
Clara Lozano
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Clara Lozano, artista visual, retratista, dibujante independiente y aprendiz de tatuador.
¿Qué formación tienes y cómo se vincula con el arte o con tu faceta de artista?
Estudié la Licenciatura en Letras en la Universidad Autónoma de Zacatecas y la relación que tiene con mi faceta como artista parte desde el conocimiento que fui adquiriendo de las artes en general a lo largo de la carrera; el aprender también la importancia del símbolo, no sólo en la lengua, sino en la necesidad humana de expresarnos a través de ellos en las múltiples formas que existen en nuestro lenguaje y el análisis crítico del mismo. Después, y el más importante para mí, el saber apreciar, disfrutar de estas expresiones artísticas de la mano de estas herramientas que me brindó el estudio.
¿Cuáles fueron los motivos que te llevaron a querer expresarte de manera artística y a compartir tu trabajo?
La necesidad de querer comunicar algo que se me facilitaba más a través de un dibujo, más que en otros medios, siempre desde un enfoque catártico. También el sentirlo como un reto personal, pues no es fácil mostrar tu trabajo al público y exponerte a la crítica. Por otra parte, es satisfactorio saber que tienes la habilidad artística para seguirla puliendo, trabajando, explorarlo.
¿Dónde te sitúas a ti y a tu trabajo en el campo cultural social?
Como artista emergente no parece que tenga aún un campo dentro del mundillo, porque sé que para tenerlo hay que ser constante y disciplinado y, para ser sincera, no le dedico el tiempo que me gustaría, pero quiero pensar que Misa Negra representa una buena oportunidad para involucrarme. Estoy bien con eso porque como grupo compartimos intereses que pueden destacar en lo ya conocido a nivel local.
¿Cómo ha influido tu quehacer artístico en tu campo personal?
De muchas maneras, como canal de descargo emocional, como puente hacia personas desconocidas que después se convirtieron en mis amigos y grandes maestros que me han regalado diversas experiencias que me han hecho crecer en distintos aspectos.
¿Cuál es la idea o el discurso principal en tu trabajo?
Por el momento me parece que mi enfoque está en la belleza que se encuentra en lo macabro, en la oscuridad, en la muerte, lo efímero: el cuerpo humano, el contraste de la luz y la sombra, mi propia sombra. Y, últimamente, la crítica social hacia el dogma religioso judeocristiano que hemos tocado en Misa Negra.
¿Hay alguna pieza icónica de tu trabajo? Cuéntanos sobre su proceso.
Me parece que “Nadie reconoció a Ángela” es mi obra más representativa por varios factores; engloba el discurso de mi obra artística y también tiene mucha carga emocional por un tema doloroso: el feminicidio. Se trata de un retrato de una niña bautizada por los medios nacionales como Ángela, ésta fue encontrada en una maleta varada a mitad de una calle. Al no tener más datos de ella, circuló una foto de la pequeña durante varias semanas, meses, para lograr dar con sus familiares y, claramente, con el responsable. Dicha foto me impactó mucho por la forma en que murió, por sus golpes, sus pequeñas facciones, pero también por la singularidad de su gesto post-mortem; pese a una leve mueca de tristeza en su carita, parecía que estaba dormida. De ahí me surgió la inquietud por retratarla como lo hacían ya hace muchos años en antiguas fotos post-mortem, con flores, como si estuvieran en un sueño del que en cualquier momento van a despertar. Debo admitir que fue un proceso creativo bastante difícil y emocionalmente duro para mí, pero sentía que era necesario, un pequeño homenaje a ella y a todas las niñas y mujeres a las que, como sociedad, les hemos fallado.
Andrea Vega
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Tatuadora.
¿Qué formación tienes y cómo se vincula con el arte o con tu faceta de artista?
Tengo hasta la licenciatura en Diseño Gráfico y, aunque muchos dicen o creen que de alguna manera me ayudó, yo lo siento muy alejado, casi no me gusta mi carrera por lo limitante y mal pagada que suele ser, por eso no ejerzo.
¿Cuáles fueron los motivos que te llevaron a querer expresarte de manera artística y a compartir tu trabajo?
Para mí creo que, principalmente, era un desahogo o un escape, siempre fui de las que se sentaban hasta el final del salón y me sumía en mis pensamientos, todo lo demás se dio después.
¿Dónde te sitúas a ti y a tu trabajo en el campo cultural social?
Ahorita los tatuajes están en auge, pero no me está poniendo en una situación muy conveniente, por extraño que parezca los tatuadores profesionales estamos teniendo menos trabajo que los inexpertos, pese que la calidad de trabajo es muy indistinta.
¿Cómo ha influido tu quehacer artístico en tu campo personal?
Mucho, creo que tengo bien centrado mi gusto personal por lo “oscuro” y cómo lo aterrizo o manifiesto en mis obras.
¿Cuál es la idea o el discurso principal en tu trabajo?
Yo creo que el mover no de forma física, sino de forma interna, ya sea incomodando o conectado con algún sentimiento profundo de las personas.
Ephie Blossom
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¿Qué formación tienes y cómo se vincula con el arte o con tu faceta de artista?
Realmente nunca estudié una carrera que se asemejara al arte, siempre fue todo en experimentación, siempre me gustó pintar, empecé pintando las paredes de mi cuarto y luego pase a madera y así fui entendiendo el proceso de la tela, siempre a prueba y error. En cuanto a mi estilo siempre intenté hacer realismo, pero no me salía, se marcaban las capas entre color y color, a la gente le empezó a gustar este aspecto y seguí con eso.
¿Cuáles fueron los motivos que te llevaron a querer expresarte de manera artística y a compartir tu trabajo?
Siempre me latió, no lo pensaba tanto como algo de compartir, siempre lo pensé como algo muy íntimo. Cuando estaba estudiando la secundaria recuerdo que nos pusieron unas muestras de una mujer enferma y una mujer sana y vi que la enfermedad de cierta manera era más colorida que la salud, al punto microscópico la enfermedad se vuelve más bella que la salud, y me gustó ver cómo el color envuelve y cambia las perspectivas.
¿Dónde te sitúas a ti y a tu trabajo en el campo cultural social?
Creo que me es muy ajeno, me ha faltado indagar más para compartir, ya que siempre ha sido un proceso muy íntimo. Siento cierta disociación a la hora en que lo expongo y lo externo con los demás. Mi arte ha sido muy cerrado hacia mí, pensado meramente por algo que me gusta. Si se me da la oportunidad de exponer lo hago, pero nunca ha sido pensado como algo más allá. De hecho, yo no me considero artista.
¿Cómo ha influido tu quehacer artístico en tu campo personal?
Han sido subidas y bajadas, ha habido momentos en que si me permite canalizar algunas emociones y ha habido otros mementos que las emociones ni siquiera me permiten el desenvolverme, he tenido procesos en los que siquiera agarrar un pincel y dar un primer trazo se vuelve hago difícil y complejo de hacer y otras veces que es tan libre y tan fresco que me agrada, depende de la situación y la etapa de mi vida.
¿Cuál es la idea o el discurso principal en tu trabajo?
Normalmente va mucho a cuerpos, me gusta mucho la figura humana, pero combinada con anales y plantas, el transformar las siluetas, soy meramente visual en armónicos que en un contexto más profundo. Soy muy visual.
¿Hay alguna pieza icónica de tu trabajo? Cuéntanos sobre su proceso.
Como jamás tuve alguna escuela detrás o proceso de técnica, para mí cada pieza se me hace distinta, porque es experimentar otra vez y darme cuenta de errores y experiencias nuevas, por eso no puedo quedarme con alguna; no sé si la gente tenga contemplada alguna que le guste, pero eso es muy aparte de mí. Para mí cada pieza refleja un momento nuevo en mi conocimiento de la formación.
